ZaRQuN – Diseño Gráfico, Web y Programación Blog sobre diseño grafico en general y curiosidades

La IA ya no está “ayudando” a crear cortos. Ahora directamente los está redefiniendo. Y Zombie Scavenger es uno de esos proyectos que dejan claro que el cine experimental generado con inteligencia artificial ha pasado de ser una curiosidad a convertirse en un terreno creativo serio.

El cortometraje, dirigido por Mx-Shell, mezcla estética postapocalíptica, composición cinematográfica y generación visual avanzada para construir una experiencia que parece salida de un videojuego indie mezclado con una cinemática de ciencia ficción oscura. Todo con una dirección artística muy marcada y, sobre todo, con una integración brutal de herramientas IA.

Aquí no hay una sola plataforma haciendo magia. Lo interesante de Zombie Scavenger es precisamente cómo combina distintas tecnologías para crear un pipeline creativo completo. Desde generación de imágenes hasta movimiento, consistencia visual y composición cinematográfica.

La base visual del proyecto arranca con Nano Banana Pro, una herramienta que cada vez está ganando más peso entre artistas digitales por su capacidad para generar escenas hiper detalladas con una estética muy controlada. Muchas de las composiciones del corto tienen ese look sucio, decadente y ultracinemático que encaja perfecto con el universo zombie.

Luego entra en juego Midjourney, que sigue siendo una bestia cuando hablamos de concepto visual y atmósfera. Se nota especialmente en los encuadres y en el tratamiento de luz. Hay planos que parecen pósters de una película que todavía no existe.

Pero el salto interesante aparece con Flux 2 Max y GPT Image 2. Ahí es donde el proyecto empieza a tener coherencia visual real. Uno de los grandes problemas de los cortos hechos con IA suele ser que cada escena parece pertenecer a universos distintos. Aquí no pasa tanto. Hay una continuidad estética bastante sólida y eso hace que el corto funcione mucho mejor narrativamente.

Y después llega Seedance 2.0, que probablemente sea una de las piezas más importantes del resultado final. Porque generar imágenes está bien, pero moverlas de forma creíble ya es otro nivel. El trabajo de animación y transición que consigue el corto tiene momentos bastante locos. No parece el típico vídeo IA lleno de deformaciones raras cada tres segundos. Hay intención cinematográfica real.

Lo curioso es que Zombie Scavenger no intenta esconder que está hecho con inteligencia artificial. Al contrario. Abraza completamente esa estética híbrida entre render, videojuego, arte conceptual y cine generado. Y justo ahí está parte de su identidad.

Este tipo de proyectos también están cambiando algo importante en la industria creativa: el perfil del creador. Antes necesitabas un equipo enorme para levantar algo visualmente potente. Ahora alguien con visión artística, buen gusto visual y dominio de herramientas IA puede construir piezas que hace apenas dos años eran imposibles para una sola persona.

Eso sí, la herramienta no hace el trabajo sola. Y Zombie Scavenger es buen ejemplo de ello. Porque detrás de todo el apartado técnico hay dirección artística. Hay criterio. Hay decisiones visuales que separan un experimento random de un corto que realmente engancha.

Estamos entrando en una etapa donde diseñadores, programadores y artistas digitales empiezan a hablar el mismo idioma. Ya no se trata solo de saber ilustrar o programar prompts. Se trata de entender narrativa visual, composición, automatización creativa y flujo de trabajo IA.

Y proyectos como Zombie Scavenger son básicamente una ventana al futuro de todo eso.

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Hay artistas que hacen ilustraciones bonitas y ya está. Y luego está Amanda Milanez, que consigue que cada escena parezca sacada de una película animada que todavía no existe, pero que todos querríamos ver. La ilustradora y artista 2D brasileña lleva años construyendo un estilo muy reconocible donde mezcla diseño de personajes, composición cinematográfica y una sensibilidad visual brutal.

Su trabajo se mueve entre el concept art, la ilustración editorial y el background design, pero sin quedarse encerrada en una sola categoría. Esa es precisamente una de las cosas que más llaman la atención de Amanda Milanez: parece cómoda en cualquier terreno creativo. Puede hacer una escena íntima con tonos suaves y, al siguiente proyecto, lanzar una composición llena de energía, luces y personajes con personalidad propia.

Gran parte de su identidad visual viene de cómo trabaja el color y la iluminación. Sus ilustraciones tienen ese punto cálido y narrativo que recuerda mucho a producciones de animación moderna. No son imágenes estáticas sin más. Siempre da la sensación de que algo acaba de pasar o está a punto de ocurrir. Y eso, en diseño visual, vale muchísimo.

También destaca mucho su trabajo de character design. Sus personajes tienen expresividad, formas muy bien pensadas y una silueta fácil de reconocer. No dependen de detalles exagerados para funcionar. Con pocos elementos consigue transmitir carácter, emoción y narrativa visual. Ahí es donde se nota el nivel real de una artista.

Otro punto interesante es cómo mezcla técnicas y herramientas digitales sin perder frescura. Usa software como Photoshop, Illustrator y After Effects, pero el resultado nunca se siente frío ni excesivamente técnico. Todo mantiene una textura muy orgánica y artesanal, algo complicado de conseguir cuando trabajas en digital.

Amanda Milanez también ha trabajado en proyectos relacionados con ilustración comercial, diseño para marcas y producciones visuales internacionales. Además de sus proyectos personales, ha colaborado como ilustradora y artista 2D para estudios y empresas fuera de Brasil, algo que demuestra cómo su estilo conecta con una audiencia global.

Si te gusta el diseño gráfico, la ilustración digital o el concept art, su trabajo es de esos perfiles que merece la pena estudiar con calma. No solo por la calidad visual, sino porque entiende muy bien cómo construir atmósferas, contar historias y hacer que una imagen tenga vida propia.

En una época donde muchas ilustraciones parecen hechas siguiendo la misma plantilla estética, Amanda Milanez destaca precisamente por lo contrario: tiene personalidad visual. Y eso hoy vale oro.

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Vale, esto es importante: si sabes hacer una web, ya puedes hacer vídeos. Sin timeline, sin Premiere, sin After Effects. Solo HTML.

Eso es exactamente lo que propone HyperFrames, un framework open source de HeyGen que básicamente rompe la forma tradicional de crear vídeo.

La idea es tan simple que cuesta entender por qué no existía antes: escribes HTML, lo renderizas y obtienes un MP4. Fin.

Pero ojo, no es “HTML metido en un vídeo”. Es un sistema donde defines cada elemento con timing, capas y animaciones usando atributos tipo data-start o data-duration. Es decir, conviertes el DOM en una línea de tiempo.

Y aquí es donde se pone interesante para diseñadores y devs:
no hay interfaz visual obligatoria. No hay timeline arrastrando clips. No hay caos. Hay código limpio.

De hecho, HyperFrames está pensado más para máquinas que para humanos. Sí, literalmente. Está diseñado para que agentes de IA puedan generar vídeos solos porque “hablan HTML de forma nativa”.

Esto cambia totalmente el juego.

Antes:
→ Diseñas en Figma
→ Exportas
→ Editas vídeo
→ Renderizas

Ahora:
→ Describes el vídeo
→ Un agente escribe el HTML
→ Ejecutas un comando
→ Tienes el vídeo listo

Y además con algo clave: determinismo. Mismo input, mismo output siempre. Nada de renders aleatorios o bugs raros. Esto es oro para pipelines automáticos, CI/CD o generación masiva de contenido.

A nivel técnico, por dentro mezcla cosas que ya conoces: Chrome en modo headless, captura frame a frame y FFmpeg para generar el vídeo final. Nada mágico, pero muy bien conectado.

Lo realmente potente no es la tecnología, es el enfoque.

HyperFrames no intenta ser “otro editor de vídeo”. Es más bien una capa nueva:
el vídeo como código.

Y eso tiene implicaciones brutales:
puedes versionar vídeos en Git, generar contenido dinámico, automatizar campañas, o crear vídeos personalizados a escala sin tocar una interfaz visual.

Para diseñadores, esto puede sonar raro al principio. Pero si ya trabajas con motion, UI o sistemas de diseño, en el fondo es lo mismo: componentes, estados y animaciones… solo que ahora viven en HTML.

Para developers, esto es directamente un regalo. No tienes que aprender un software nuevo. Usas lo que ya sabes: HTML, CSS, JS, GSAP o lo que quieras.

Y si te preguntas si esto es hype o no, la comunidad está bastante intrigada. En Reddit ya lo están llamando “lo más interesante” que ha salido en vídeo programático últimamente, sobre todo por lo fácil que encaja con herramientas tipo Claude Code o similares.

¿Va a sustituir a After Effects? No.
¿Va a cambiar cómo se crean vídeos en productos digitales, marketing o IA? Muy probablemente sí.

Porque cuando el contenido se vuelve código, deja de ser manual y pasa a ser escalable.

Y ahí es donde empieza lo realmente gordo.

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Si estás aprendiendo diseño gráfico o te interesa el mundo de la ilustración digital, el perfil de Nicolas Rix en Behance es uno de esos que tienes que abrir con calma… y perderte un rato.

No estamos hablando del típico diseñador “correcto”. Aquí hay personalidad. Mucha.

Rix es ilustrador, animador y director, con años de experiencia trabajando para marcas grandes como Marvel o Dreamworks . Eso ya te da una pista: sabe lo que hace y no está jugando en ligas pequeñas.

Pero lo interesante no es su currículum. Es cómo dibuja.

Su estilo entra directo por los ojos: colores potentes, personajes con mucha expresividad y una mezcla bastante curiosa entre lo infantil y lo oscuro. Puede hacer algo que parece sacado de un cuento para niños… y al segundo siguiente meterle un toque creepy que lo cambia todo. Esa dualidad es clave en su trabajo .

Y aquí viene lo importante si estás aprendiendo:
este tipo no destaca por hacer cosas “bonitas”, destaca por tener un lenguaje visual propio.

Muchos diseñadores novatos cometen el error de intentar hacerlo todo perfecto, limpio, minimalista… y acaban pareciéndose a todo el mundo. Rix hace justo lo contrario: exagera, deforma, juega con las proporciones y mete textura sin miedo. Resultado: lo ves y sabes que es suyo.

Otro punto interesante es la narrativa. No son solo ilustraciones sueltas. Cada pieza parece parte de una historia más grande. Esto es algo que en programación creativa o diseño interactivo también es oro: no diseñes pantallas, diseña experiencias.

Además, viene muy influenciado por animación clásica y cultura pop (rollo dibujos de los 80-90 o anime tipo Miyazaki) , lo que explica ese rollo tan dinámico que tienen sus personajes. No están “posando”, están viviendo algo.

En resumen: el Behance de Nicolas Rix no es solo para mirar, es para analizar. Fíjate en cómo usa el color, cómo simplifica formas complejas y cómo consigue transmitir emociones sin depender de detalles hiperrealistas.

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Si te interesa el mundo del arte digital, el modelado 3D o simplemente te flipan las imágenes que parecen sacadas de otro planeta, tienes que conocer a Anna Yashina. Esta artista 3D y CG Artist se está ganando su lugar a base de talento, creatividad y una sensibilidad estética que se nota en cada uno de sus trabajos.

Lo primero que llama la atención de Anna es su capacidad para convertir conceptos aparentemente simples en composiciones visuales que atrapan. No se trata solo de modelar objetos o personajes, sino de darles vida, atmósfera y narrativa. Su estilo se mueve entre lo realista y lo estilizado, con un dominio técnico que deja claro que detrás hay muchas horas de dedicación y aprendizaje constante.

En el universo del modelado 3D, donde herramientas como Blender, ZBrush o Maya son el pan de cada día, Anna destaca por cómo utiliza estas tecnologías para contar historias. Cada textura, cada iluminación y cada detalle está pensado para generar impacto. Y eso es justo lo que la hace diferente: no crea por crear, sino que construye experiencias visuales.

Además, su trabajo encaja perfectamente con las tendencias actuales del diseño digital, donde el 3D está cada vez más presente en publicidad, videojuegos, cine y redes sociales. De hecho, es muy probable que en el futuro veamos nombres como el suyo asociados a grandes proyectos dentro de la industria creativa.

Otro punto fuerte de Anna Yashina es su presencia online, donde comparte sus proyectos y procesos creativos. Esto no solo inspira a otros artistas, sino que también demuestra transparencia y pasión por su trabajo. Porque sí, aquí hay talento, pero también hay amor por lo que hace.

En definitiva, estamos ante una artista que no solo domina el modelado 3D, sino que entiende cómo conectar visualmente con el espectador. Y en un mundo saturado de imágenes, eso vale oro.

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En 2019, Correos decidió hacer algo que muchas marcas históricas temen: reinventarse sin perder su alma. Y lo hizo con un rediseño de imagen corporativa que, aunque a simple vista puede parecer sutil, esconde una estrategia potente detrás.

El icónico logotipo de la corona y el cuerno postal (esa trompeta tan característica) no desapareció, pero sí evolucionó. Se simplificaron formas, se eliminaron detalles innecesarios y se apostó por un diseño mucho más limpio y adaptable al entorno digital. Porque sí, uno de los grandes objetivos era ese: dejar de ser solo una empresa “de cartas” y posicionarse como un operador logístico moderno preparado para el ecommerce.

El nuevo diseño trajo consigo una tipografía más actual, un uso más inteligente del espacio y una optimización clara para pantallas. Todo más legible, más flexible y más reconocible en cualquier formato, desde una app hasta un paquete. El amarillo corporativo, ese que no pasa desapercibido, se mantuvo como pilar clave, reforzando la identidad visual y asegurando continuidad.

Este rediseño no fue solo estético, fue estratégico. En un momento en el que el negocio postal tradicional estaba en declive, Correos necesitaba comunicar que estaba listo para competir en un mundo dominado por entregas rápidas, marketplaces y logística avanzada. Y su nueva imagen lo dice alto y claro: seguimos siendo los de siempre, pero ahora jugamos en otra liga.

La clave del éxito de este cambio está en el equilibrio. No rompieron con su historia, pero tampoco se quedaron anclados en ella. Apostaron por un rediseño evolutivo, no revolucionario, lo que permitió mantener el reconocimiento de marca mientras se abrían a nuevos públicos y usos.

En resumen, el cambio de imagen de Correos en 2019 es un ejemplo de cómo una marca tradicional puede adaptarse a los nuevos tiempos sin perder su identidad. Menos ruido visual, más intención, y una clara orientación al futuro digital.

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Si te gusta ensuciar un poco tus diseños con un look más artístico y menos “perfecto”, estos pinceles te van a encantar. Paint Strokes Hi-Res es un pequeño pero potente pack de 4 pinceles gratuitos para Adobe Photoshop que simulan trazos de pintura reales con una calidad brutal. Al ser hi-res, puedes usarlos tanto en proyectos digitales como en trabajos pensados para impresión sin miedo a perder detalle.

Son ideales para carteles, portadas, composiciones creativas, fondos con carácter o incluso para darle un toque más orgánico a tipografías y mockups. Lo mejor es que no necesitas configuraciones raras: los instalas, los pruebas y listo. Funcionan genial tanto para diseños rápidos como para proyectos más cuidados donde quieras destacar visualmente.

La descarga está disponible de forma gratuita en fbrushes.com, una web clásica llena de recursos para Photoshop que nunca falla cuando buscas pinceles con personalidad. Si eres diseñador, ilustrador o simplemente te gusta experimentar en Photoshop, este pack merece un hueco en tu colección.

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Con el final de Stranger Things ya sobre la mesa, es inevitable mirar atrás y celebrar todo lo que ha significado la serie de Netflix. Personajes inolvidables, estética ochentera y una legión de fans que no deja de crear contenido inspirado en Hawkins. Aprovechando este cierre, hoy quiero compartir una serie de ilustraciones que me han encantado, creadas por la artista Rita Fazlyeva, donde mezcla dos universos que funcionan sorprendentemente bien: los signos del zodiaco y los protagonistas de Stranger Things.

Cada ilustración asocia a un personaje de la serie con un signo zodiacal, jugando con su personalidad, su forma de actuar y su evolución a lo largo de las temporadas. El resultado es una colección muy visual, cuidada y con un estilo elegante que conecta tanto con fans de la serie como con amantes de la ilustración y la astrología. Desde Eleven hasta Dustin o Max, todos encuentran su reflejo astral en estas piezas llenas de color y carácter.

Este tipo de proyectos demuestran una vez más el impacto cultural de Stranger Things y cómo, incluso tras su final, sigue inspirando a creativos de todo el mundo. Una forma perfecta de rendir homenaje a la serie y despedirnos de ella con arte, imaginación y un toque cósmico.

Ver la colección completa aquí

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Estar de vacaciones tiene algo mágico. Ese momento en el que bajas el ritmo, apagas un poco el ruido del día a día y, por fin, te permites hacer cosas solo porque te apetecen. En mi caso, estas vacaciones las he aprovechado justo para eso: descansar, desconectar y dedicarme tiempo a mí mismo.

Uno de esos planes improvisados —y de los que más se disfrutan— fue acercarme al Centro de Arte Contemporáneo de San Roque. Allí tienen una exposición permanente dedicada a Carlos Pacheco, y la verdad es que era una visita que tenía pendiente desde hacía tiempo.

Para quien no lo conozca, Carlos Pacheco es uno de los grandes nombres del cómic español y una auténtica leyenda a nivel internacional. Dibujante nacido en San Roque, consiguió algo que no está al alcance de cualquiera: trabajar para Marvel y DC Comics, dejando su huella en personajes tan icónicos como los X-Men, Los 4 Fantásticos, Los Vengadores o Superman. Casi nada.

La exposición es un viaje por su trayectoria, con originales, bocetos y material que te permite ver de cerca el talento y el trabajo que hay detrás de cada viñeta. Ver esos dibujos en persona, apreciar el trazo, los detalles y la narrativa visual, es una experiencia muy distinta a pasar páginas o ver imágenes en pantalla.

Y es que, si algo tengo claro, es que los cómics son una de mis grandes pasiones, y dentro de ese mundo, Marvel ocupa un lugar muy especial. Han estado ahí desde siempre, influyendo en mi forma de entender el diseño, la narrativa visual y, por qué no decirlo, alimentando esa parte friki que todos llevamos dentro.

Salir de la exposición fue una mezcla de inspiración, nostalgia y orgullo. Inspiración por ver hasta dónde se puede llegar haciendo lo que te apasiona. Nostalgia por tantas horas disfrutando de cómics. Y orgullo por comprobar que desde aquí también se ha hecho historia en un medio que amo.

Vacaciones bien aprovechadas, sin duda.

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Si eres de los que disfruta con la publicidad creativa, hoy arrancamos una nueva sección en el blog: ¡recuperando anuncios clásicos! Y para abrirla por todo lo alto, traemos un spot que dejó huella en 2011: “Si Yo Fuera Humano” de Campofrío.

Este anuncio no es cualquier cosa: está protagonizado por dos sapos aventureros que se plantean qué harían si fueran humanos mientras intentan cruzar la carretera. Sí, dos sapos con grandes sueños y mucho sentido del humor. La animación es impecable, cargada de detalles graciosos, y lo mejor de todo es que ningún animal sufrió durante su grabación.

Lo que hace especial a este spot es cómo combina creatividad, humor y un mensaje simpático que todavía nos hace sonreír más de una década después. Una joya de la publicidad española que merece ser recordada. Así que si todavía no lo has visto, ¡prepárate para reír y disfrutar con estos sapos con mucha personalidad!

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